. Cine

“Atracción peligrosa”

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Por Pedro Labra

A tres años de “Desapareció una noche”, su sólido debut como director, Affleck aborda su segundo filme propio en que se adjudica además el rol central, un riesgo extra. Impresiona otra vez con su aplomo de narrador, pero el conjunto luce inferior y menos redondo que el de antes. A causa, sobre todo, de que el guión –coescrito por él, a partir nuevamente de una novela (de Chuck Hogan)– avanza a dos bandas. Por un lado, es un relato delictual sobre una banda de asaltantes de bancos de Boston, integrada por vecinos y amigos de toda la vida, tal como ocurre realmente en el distrito de Charlestown, cuna de pandillas. El protagonista decidió que llegó el momento de dejar esa peligrosa vida, lo que detona un conflicto de lealtades. A la dura recreación semidocumental, se suma una intriga amorosa paralela. En el asalto que abre la cinta, la ejecutiva que fue rehén principal resulta ser vecina también de los malhechores. Estos, intranquilos, le encargan al “jovencito” que la elimine antes de que entregue algún dato delator a la policía. Pero él –que es un “malo-bueno”, con conciencia moral– decide mejor sondearla, a ver si de veras es una testigo peligrosa. Así comienzan a citarse. Como en su debut, Affleck vuelve a mostrar un muy buen instinto dirigiendo a sus actores, lo que da respetabilidad e interés incluso al forzado e improbable idilio. Pero el fuerte del filme son sus vibrantes escenas de acción, filmadas con una ferocidad y nervio que revela la admiración del director por expertos como Eastwood y Michael Mann. El irregular relato termina por resolverse en la acción, en la extensa secuencia final.

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Dirigida y coescrita por Ben Affleck. Con Ben Affleck, Jeremy Renner, Rebecca Hall, Jon Hamm.

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“El novio”

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Por Pedro Labra

Toda una curiosidad, este filme de 2008 es el primer estreno aquí del emergente cine de Islandia. Eso agrega el incentivo extra de asomarse a un modo de vida desconocido y una cultura exótica por lo remota. Complica más la cosa que el guión se inspire libremente en la pieza “Ivanov” del ruso Antón Chéjov (Kormakur, de padre catalán, es también un celebrado director teatral en Reykjavik). Despliega las vicisitudes de un maduro profesor universitario que durante toda la noche previa a su boda, duda en casarse con una ex alumna suya. Principal obstáculo es que se siente culpable de la muerte de su esposa, enferma e inestable emocionalmente; está endeudado además con su futura nueva suegra, quien le prestó una gruesa suma para implementar una cancha de golf en la isla en que ocurre la historia. Todo sucede en un paisaje desolado en la mágica Noche de San Juan, sin oscuridad debido al solsticio de verano, propicia al amor y el desenfreno. El nivel de las actuaciones y de la realización técnica es irreprochable. Pero en términos de género descoloca porque no cabe dentro de los parámetros conocidos. El relato, fracturado y algo confuso, adopta mayormente un tono ligero y cierta distancia crítica frente a sus criaturas como si fuera una comedia (incluye además música y canciones). En cambio, los personajes tienen conductas torturadas y obsesivas que revelan sicologías complejas al estilo del cine sueco. Tras el “happy end”, una escena de remate concluye que quien crea ser feliz por más de 10 minutos, es un estúpido. De interés, en esta cinta la distancia cultural sin duda pesa.

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Dirigida y coescrita por Baltasar Kormákur. Con Hilmir Snaer Gudnason, Margrét Vilhjlámsdóttir, Laufey Elíasdóttir.

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“Red social”

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Por Pedro Labra

Hasta ahora Fincher (48 años), uno de los talentos más perspicaces de Hollywood, acostumbraba a asombrarnos sin salirse de las fórmulas de género, con títulos como “La habitación del pánico” o “Los siete pecados capitales” (“Zodíaco”, del 2007, es el más notable hasta ahora). Aquí se supera a sí mismo. Este filme mayor lo revela como un punzante cronista de nuestro tiempo y, de paso, inventa una suerte de “thriller intelectual”. Para lo cual se sirve de una historia auténtica, la de cómo –en 2004 y de puro achunte– el estudiante de Harvard Mark Zuckerberg creó Facebook, la red en la web que se extendió rápidamente a otras universidades y luego al mundo entero, revolucionando la forma de comunicarse entre las personas.
El guión se basa de manera parcial en el libro superventas de Ben Mezrich, publicado el año pasado, con una versión no autorizada de los hechos. Una vez que vio la cinta, Zuckerberg –un icono sin duda de nuestra época, y el joven de mayor fortuna en el globo hoy por hoy, según Forbes– rompió su silencio y rechazó su retrato en la pantalla como un sujeto despreciable que sólo buscaba una estrategia para ligar con chicas y ganar ascenso social.
Pero su opinión es irrelevante a la hora de apreciar esta película dirigida al público juvenil, sobre un personaje que es el símbolo máximo en el siglo XXI del éxito a los 20 años. El filme acierta en reflejar fielmente la actual vida universitaria en EE.UU., y en particular la urgencia de los jóvenes por vivir rápido, experimentar la mayor variedad de sensaciones fuertes y triunfar lo antes posible. Todos sus personajes son, cuál más cuál menos, arrogantes y odiosos. Por otra parte, presenta a su héroe como un ser ambivalente y trágico: muestra a un chico de cerebro excepcionalmente brillante, o sea, con ventaja segura para el éxito, que es al mismo tiempo un desadaptado, incapaz de establecer relaciones serias con sus cercanos (menos aún con las mujeres), tanto como amoral, oportunista y traicionero. Es un genio que pudo construir un puente para comunicarse del modo más fácil y expedito con los otros, pero que sufre de serias dificultades para salir de sí mismo.
Elogiable es la vertiginosidad mental del relato que funciona como un thriller sin ninguna acción, y cuyo diálogo –de extrema densidad, lleno de agudezas, subentendidos y señas tribales– exige mantener una concentración intelectual absoluta (y de seguro su captación no se agota con una sola visión de la cinta). Se despliega, sobre todo, con una energía inaudita de vibraciones salvajes, pero al mismo tiempo acerada, bajo civilizado control.

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Dirigida por David Fincher. Con Jesse Eisenberg, Justin Timberlake, Rooney Mara.

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“Cartas a Julieta”

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Por Pedro Labra

No es, claro, una gran película y Winick definitivamente es un director menor. Pero por algo la crítica del exigente “New York Times” la definió como una interesante paradoja: “Está muy cerca de ser perfecta, sin ser especialmente buena”, dijo. Verla equivale a comerse entera una almibarada torta de merengue rellena de chocolate y manjar blanco. Aunque también es cierto que no pretende otra cosa que satisfacer fielmente a su público objetivo de señoras de cierta edad con espíritu romántico incólume, y chicas soñadoras convencidas de que en algún lugar las espera el hombre predestinado para hacerlas felices por siempre. Como que su eje es el reencuentro de una pareja de la tercera edad tras medio siglo de separación. Que interpretan la venerable Vanessa Redgrave, de 73 años, y su esposo, el apuesto actor italiano Franco Nero, hoy de 68. Ambos se conocieron en los años 60 filmando “Camelot”, tuvieron un hijo ahora cuarentón (Carlo, también director de cine) y terminaron por ratificar su larga relación sentimental casándose en 2006. ¿No es para suspirar?
Una pareja de neoyorquinos viaja a Verona en plan de luna de miel prenupcial, y apenas llegados, él se entusiasma visitando los futuros proveedores del restaurante que pronto abrirá. Paseando sola, ella conoce al grupo de empleadas municipales encargadas de responder los cientos de cartas que las turistas de todo el mundo sufriendo de desamor, dejan en el muro de la casa donde supuestamente vivió la heroína trágica de Shakespeare. Recién empieza a colaborar con las “secretarias de Julieta”, cuando descubre una carta escondida escrita hace 50 años por una inglesita que se vio obligada a abandonar a su enamorado de Italia. Contesta la misiva y a los pocos días arriba la anciana dispuesta a dar con el paradero de su antiguo amor; la escolta su antipático y arrogante nieto, pragmático hasta la insensibilidad. Como la chica tiene aspiraciones de escritora, no pierde la ocasión de unirse a la búsqueda de un novio septuagenario que quizás esté aún casado, muy concluido, o peor todavía, difunto.Linda sin duda de ver, la película cuenta un relato harto relajante, predecible y anacrónico, adobado con conocimientos básicos de Shakespeare, hermosas vistas de la campiña italiana y algo de nostalgia. De un sentimentalismo además tan estereotipado, que a ratos puede provocar risas indeseadas. Pero nunca intenta pasar gatos por liebres, porque parece creer a pie juntillas que todos necesitamos soñar con el amor. Por supuesto, la gran Vanessa se las arregla para darle dignidad a su personaje difícil de defender.

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Dirigida por Gary Winick. Con Vanessa Redgrave, Amanda Seyfried, Franco Nero.

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“New York, I Love You”

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Por Pedro Labra

Después de “Paris, je t’aime”, en 2006, es el segundo filme de segmentos ideado por el mismo productor francés bajo el concepto de retratar el encanto romántico de una ciudad a través de diferentes perspectivas, incluyendo el factor multicultural. Este reúne 11 cuentos con un máximo de 10 minutos de duración, que intentan reflejar cómo el amor se da –o no- en el paisaje de La Gran Manzana. Con 7 episodios (y realizadores) y casi 20 minutos menos que su antecesora, está claro que la fórmula muestra aquí un cierto desgaste. La lista de directores y actores involucrados parece harto menos enjundiosa: entre los primeros, el único talento de peso es el alemán Fatih Akin, y agrega como curiosidad el aceptable debut tras las cámaras de la bonita actriz Natalie Portman a partir de un guión propio (ella, además, actúa en el corto de Mira Nair). No es que el conjunto esté mal, pero uno tiende naturalmente a comparar con la otra y ésta sale perjudicada. Da la impresión de que Nueva York resultó bastante menos inspirador que París; las historias no aportan puntos de vista muy iluminadores o novedosos sobre esta ciudad tan filmada. De hecho, de los dos relatos más logrados, el tierno cuento final de la pareja de viejitos ocurre en el borde costero de Coney Island, mientras que el único realmente dramático –el triste encuentro de una otoñal estrella de cine y el joven botones de un hotel– podría suceder en cualquier parte del mundo.

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Filme colectivo dirigido por 11 directores. Con Natalie Portman, Julie Christie, Orlando Bloom, Shia LaBeouf.

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“Encuentro explosivo”

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Por Pedro Labra

Tras “Operación Valquiria”, este nuevo vehículo para el lucimiento de Cruise (aunque éste no fue producido por él) vuelve a errar el blanco. Cierto que esta comedia de acción derrocha energía y ganas de gustar, y la verdad es que no está mal para pasar el rato. El relato –sobre un agente que arranca durante toda la cinta protegiendo un poderoso minirreactor, acompañado accidentalmente por una chica algo despistada, pero que aprende a seguirle el tranco– mezcla un despliegue de extraordinarias hazañas físicas a cargo del astro, con romance, comedia y glamour transcontinental. Cruise, de 48, es aquí un héroe insoportablemente dotado de increíbles destrezas (cualquiera de ellas deja chiquitito a James Bond) y, al mismo tiempo, cool. Las hiperventiladas escenas de acción y las locaciones en Salzburgo, islas Azores y Andalucía, incluyendo la fiesta de San Fermín como telón de fondo para una secuencia, ayudan a distraer el ojo (las imágenes finales ocurren, se supone, en la zona austral de Chile). El problema es que las aventuras son tan descabelladas –el guión no se preocupa de justificar cuestiones de lógica esencial– y las proezas resultan tan inverosímiles, que ni el humor ni el enganche sentimental pueden funcionar. Los personajes y actores secundarios no llegan a aportar nada. Es muy rápida, bulliciosa, “blanca” y poco estimulante. Sólo para espectadores jovencitos y admiradoras recalcitrantes de Cruise (quedan algunas).

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Dirigida y coescrita por James Mangold. Con Tom Cruise, Cameron Díaz, Peter Sarsgaard.

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“La lapidación de Soraya M.”

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Por Pedro Labra

Aunque su locación, elenco y diálogos en persa sugieran otra cosa, es un filme estadounidense (su director también) que, como se indica desde su título, busca denunciar uno de los excesos del fundamentalismo religioso en Irán. Trata de una esposa acusada de adulterio que, siguiendo la antigua tradición, fue apedreada por su pueblo hasta morir a mediados de los ’80. El guión se basa en el libro superventas de un corresponsal franco-iraní que pudo registrar un testimonio directo del caso. Narra cómo un periodista (gringo en esta versión), cuya camioneta queda en pana en medio del desierto, va a parar a un remoto caserío donde una señora se le acerca para contarle que su sobrina fue lapidada justo el día anterior. Según ella, el linchamiento obedeció a una conspiración del alcalde, el mullah (sacerdote musulmán) y el marido, que se quería librar de la víctima para casarse con una muchacha. Simple y predecible, el relato avanza con recursos efectivos y actuaciones solventes, hasta llegar a su clímax, el apedreamiento, que describe sin ahorrar ni un solo detalle sádico, en una acongojante secuencia que toma unos 20 minutos. Que Caviezel, el Jesús de Mel Gibson, encarne al periodista, conecta ineludiblemente a éste con ese filme bíblico en su intención de que las sanguinolentas imágenes no dejen de choquear a nadie. Uno puede comprender la vehemencia del propósito, pero hay de seguro formas menos gruesas y manipuladoras de estampar una denuncia.

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Dirigida y coescrita por Cyrus Nowrasteh. Con Shohreh Aghdashloo, Mozhan Marno, Jim Caviezel.

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“Shrek para siempre”

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Por Pedro Labra

El número cuatro de la supertaquillera franquicia animada, hace que el ogro verde entre a la Tercera Dimensión, y con vistas a lucir los efectos 3D en las obligadas escenas de persecución, se estira también a pantalla ancha. Pero lo que define esta secuela, al igual que “Toy Story” 3, es que –pensada para quienes crecieron siguiendo la serie– perdió bastante del encanto sencillo e ingenuo de las aventuras previas. Con abierto ánimo de hacer comedia, los personajes de fábula están ahí no para contar otro cuento de hadas, sino para tratar un tema más maduro. El bueno de Shrek, casado y padre de familia, aburrido de la rutina hogareña y de las responsabilidades, pasa por una crisis de la edad mediana. Un villano lo hace firmar un pacto mefistofélico y así cae en una realidad paralela donde experimenta cómo sería el mundo si él nunca hubiera existido. El relato, claro, recicla sin disimulo el guión del filme clásico “Qué bello es vivir”, de 1946. Con las esperables réplicas llenas de ingenio y chistosas alusiones a la cultura pop, entretiene y hace reír gracias a que el fuerte de la fórmula son sus bien definidos personajes. Pero queda la impresión de que la idea ya se agotó. Aseguran que éste es el capítulo final, pero con Hollywood nunca se sabe. Si el público compra entradas para ver más de lo mismo, ¿por qué no un Shrek 5?

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Largometraje de animación digital dirigido por Mike Mitchell.

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“Comer, rezar, amar”

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Por Pedro Labra

Destinado básicamente al público femenino, esta cinta –que traslada a la pantalla la novela autobiográfica de Elizabeth Gilbert (con 6,5 millones de ejemplares vendidos en 40 idiomas)– busca reflejar la actual posición social de la mujer: ahora son ellas las que viajan y viven aventuras. Ejemplifica bien un nuevo tipo de producto fílmico para esa amplia franja de la platea: el cine terapéutico y de autoayuda. Aquí una escritora neoyorquina en los 30 años, profundamente insatisfecha con la vida que lleva y los hombres que la aman (se acaba de divorciar), decide tomarse un año sabático para “encontrarse a sí misma”, período durante el cual nunca sabremos de qué subsiste. El relato se toma 140 minutos para desgranar sus tres episodios: en Roma descubrirá los placeres del buen comer y el “dolce far niente”, en India, la fuerza de la espiritualidad, y por último en Bali hallará su centro y el amor verdadero. Todo contado con lindas, fluidas y sensuales imágenes, y un ánimo rebosante de candidez un poco bobalicona. Su heroína está dispuesta a ser sorprendida a la vuelta de cada esquina, con experiencias trascendentes y epifanías que cambiarán su destino para siempre. Dirigida por un experimentado hombre de TV (“Nip/Tuck”, “Glee”), es una película seductora, bienintencionada y reconfortante, pero también bastante superficial y mecánica en su objetivo de sentenciar máximas y fórmulas para alcanzar la anhelada felicidad. Brad Pitt figura como uno de sus productores.

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Dirigida y coescrita por Ryan Murphy. Con Julia Roberts, Javier Bardem, James Franco, Richard Jenkins.

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“Final de partida”

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Por Pedro Labra

Tras 30 años filmando de todo en su país, Japón, desde soft porno hasta éxitos comerciales, Takita obtuvo inesperado prestigio en Occidente al ganar el Oscar 2009 a la Mejor Película Extranjera –además de varios otros premios– con esta singular cinta sobre un tema incómodo, la muerte, tratado en tono de amable comedia dramática. Cuando un cellista queda cesante al disolverse la orquesta que lo tenía contratado, decide irse con su esposa a su ciudad natal para hacerse cargo de la propiedad de su difunta madre y empezar una nueva vida. En busca de trabajo, responde a un aviso clasificado en el diario y al presentarse se da cuenta de que lo que él tomó por una agencia de viajes, es en realidad una empresa funeraria: el empleo ofrecido es de “nokanshi”, encargado del delicado arte de asear, vestir y maquillar a los cadáveres para ser cremados. En una cultura para la cual la muerte conlleva impureza, el músico siente el desprecio de quienes le rodean (y hasta de su propia mujer) por su nuevo oficio. Pero debe seguir en él por necesidad. Así va descubriendo la dignidad y respeto que el solemne ceremonial da a los cuerpos sin vida, y cómo su labor brinda consuelo y serenidad a los deudos. Mérito de la película es hacer que una historia semejante resulte atractiva, con momentos conmovedores y otros impensadamente jocosos. Claro que el relato se extiende en exceso y a ratos se torna demasiado sentimental. En compensación, está muy bien filmado y actuado; impresiona especialmente Yamasaki como el inescrutable y a la vez afectuoso maestro del rito funerario.

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Dirigida por Yojiro Takita. Con Masahiro Motoki, Ryoko Hirosue, Tsutomu Yamasaki.

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“Vincere”

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Por Pedro Labra

A la insuficiente distribución local de cine se debe que en diciembre reapareciera el brillante comediógrafo Mario Monicelli (con “La rosa del desierto”, que hizo a los 91), tras dos décadas ausente de nuestras pantallas sin que hubiera dejado de filmar en ese lapso. Igual cosa sucede ahora con Bellocchio, otro de los directores italianos de mayor prestigio en los años 70, muy polémico por su ardiente compromiso político y su obsesión paralela con el sicoanálisis. Del autor de “Las manos en los bolsillos” y “China está cerca”, de fines de los ’60, no sabíamos desde que se dio aquí hace más de 20 años, su personal versión de “Con el diablo en el cuerpo”.
La diferencia es que Bellocchio, en espléndida forma a los 70, brinda un filme excepcional en varios aspectos, de un atractivo magnético. Es, en primer término, una película biográfica que rescata una víctima olvidada del fascismo: Ida Dalser, supuesta primera esposa de Benito Mussolini que le dio un hijo y al cual incluso apoyó financieramente en sus difíciles comienzos. Pero cuando éste estuvo instalado como líder del partido, con una esposa oficial, se esforzó en esconder a quien ya no le era útil. Como ella insistía en recuperar su posición, terminó encerrada en un manicomio administrado por monjas, y el niño fue a parar a un orfanato. Ida, que no volvió a ver ni al amado ni a su retoño, murió en reclusión tratando de que su historia fuera creída (pero nunca la pudo probar porque el Duce, se asegura, mandó quemar todos los documentos comprometedores), mientras el primogénito falleció también en un asilo mental, a los 26, cuando su padre era aún dictador.
Aunque inserta registros de archivo y fragmentos de películas de la época, la narración nunca cae en la trampa del “filme histórico”. Con sus imágenes de exaltada belleza, se despliega más bien como un desaforado melodrama de ribetes ampulosos y vibración salvaje, que –logrando fundir la tragedia personal y la colectiva– por momentos adquiere el tono de una mascarada pesadillesca y operática. Retrata a dos personajes avasallados por una pasión sin límites: uno, por el poder, la otra, amorosa; un vértigo que los arrastra al abandono de sí mismos y a zonas propias de la locura o el ridículo. En ese sentido hace que uno, incómodamente, adhiera en alguna medida al ascenso del histriónico líder. Pero al mismo tiempo provee los motivos para abominarlo. Ida y su hijo se erigen como símbolo de todos quienes se dejaron seducir por el dictador, y sufrieron que sus destinos fueran al fin y al cabo devastados por su brutal autoritarismo.

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Dirigida y coescrita por Marco Bellocchio. Con Giovanna Mezzogiorno, Filippo Timi, Fausto Russo Alesi.

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“La teta asustada”

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Por Pedro Labra

Que sea carne de cine-arte, no impide que Llosa goce el privilegio de estar instalada a los 33 años de edad, entre las cineastas mujeres de mayor interés hoy en día en el concierto mundial. Como que con éste, apenas su segundo filme, logró lo que ningún latinoamericano había conseguido hasta ahora: ganar en 2009 el Festival de Berlín (amén de otros galardones, fue la primera cinta peruana en ser nominada al Oscar de este año como Mejor Película Extranjera). Sobrina del escritor Mario Vargas Llosa y del también director de cine Luis Llosa, ya había llamado la atención en varios torneos de segunda fila con su “ópera prima”, “Madeinusa”, de la cual por varios puntos de contacto, ésta se puede considerar una continuación.
Es cine poético, político y femenino al mismo tiempo. El singular e intrigante título se explica en los primeros minutos: obedece a la creencia popular entre los campesinos aterrorizados en los años 80 por el movimiento revolucionario Sendero Luminoso (que se estima exterminó a unas 70 mil personas), de que las mujeres traspasaron el miedo por la leche materna a sus hijos, quienes así “perdieron su alma”.
De lenguaje pausado y visualmente subyugador, enraizado en el “realismo mágico” y de potente espesor simbólico, cuenta la historia de Fausta, cuya madre al morir le confiesa que nació de una violación masiva por subversivos. Tímida y retraída, vive en una población en los cerros periféricos de allegada donde su tío, quien con su familia administra una modesta empresa que organiza bodas (lo que provee abundantes rasgos kitsch). De allí baja a Lima a trabajar como empleada doméstica de una neurótica pianista, que le roba los cánticos rituales con los que calma sus temores, haciéndolos pasar por creaciones propias. El jardinero de esa casa rica le ayudará a ir venciendo la repulsa que siente hacia los hombres; ella mantiene en su vagina una papa que se metió como escudo o conjuro para evitar un ataque. Hecho de fragmentos e indicios, el relato –con su poesía enigmática y aire enrarecido– trata en primera instancia acerca del trauma del terrorismo y del espíritu primitivo confrontado a la vida moderna. Pero por extensión, alude a todas las violencias y vulneraciones –del hombre, la casta dominante, el sistema económico– ejercidas contra la mujer común. Lo notable es que pese a su densidad, el filme nunca deja de cautivar gracias a la belleza inquietante de sus imágenes, a veces perturbadoras o surreales. A lo que se debe sumar el envolvente misterio de sus sugerentes letanías, a menudo cantadas en lengua quechua.

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Dirigida y escrita por Claudia Llosa.Con Magali Solier, Susi Sánchez, Efraín Solís.

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“Cerca del hogar”

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Por Pedro Labra

Primer filme de una dupla de directoras israelíes en los 40 años, es también el primero que aborda el tema del rol de las mujeres en el Ejército de su país. Cine femenino sin duda, muestra a dos muchachas de 18 años que inician el cumplimiento de su servicio militar (tres años obligatorios) y deben, entre otras funciones, patrullar en pareja las calles y el transporte público empadronando a los sospechosos, léase los transeúntes de aspecto árabe. Sin ser una cinta política, se centra más bien en cómo la condición femenina se adapta –o no– a la disciplina y el rigor que exige el uniforme, y se detiene particularmente en la solidaridad de género en esa circunstancia. Muy diferentes entre sí (una es rebelde y de costumbres liberales, la otra tímida y sumisa), las chicas al principio se rechazan, luego nace entre ambas una estrecha amistad. Ellas tienen suficiente encanto y química como para hacer atractivas sus andanzas, pero más que éstas el verdadero interés para el espectador local radica en el reflejo de la compleja realidad humana y urbana de todos los días que se cuela por los rincones del relato. Más adelante, un atentado callejero hace que la historia condene los inconformismos y justifique la necesidad e importancia de la dura misión encomendada a las soldados. Al fin y al cabo se deja de rodeos y se vuelve veladamente propagandística.

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Codirigida y coescrita por Vardit Bilu y Dalia Hager. Con Smadar Sayar, Naama Schendar, Katia Zinbris.

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“La copa dorada”

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Por Pedro Labra

En rigor éste no es un estreno, sino la reposición de un filme de 2001 que aquí se dio dos años después como “Nuestros años dorados” sin que obtuviera la atención debida. Puede que ésta no sea la mejor adaptación literaria de las muchas emprendidas por Ivory (el más británico de los directores estadounidenses), su esposa Ruth Prawer Jhavbala como guionista, y el productor Ismail Merchant en 30 años de colaboración (en que dieron títulos como “Habitación con vista”, “Lo que resta del día” y “La mansión Howard”). Pero es, sin duda, la más refinada y suntuosa visualmente. Versión fílmica de una novela de Henry James considerada su obra maestra, cuenta cómo al filo del ’900 un príncipe italiano arruinado se casa con la hija del primer multimillonario gringo y coleccionista de arte; luego su amante, una socialité norteamericana, pobre pero bien educada, se casa con el acaudalado suegro de éste sólo para estar cerca de él. Parece que no sucediera mucho, porque la intriga se desarrolla como una sutil maraña de subentendidos, mentiras y amenazas disfrazadas de buenas maneras. En verdad el relato salta sin transición de una cosa a otra y da una sensación algo errática; entre las actuaciones, lo mejor es Thurman. Pero la exquisita, deslumbrante puesta en escena resulta un placer en sí misma, que refleja muy bien –por lo demás– la ambigua relación de EE.UU. con la cultura europea (que fue el tema de James).

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Dirigida por James Ivory. Con Uma Thurman, Jeremy Northam, Nick Nolte, Kate Beckinsale.

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“Chopin, amor y deseo”

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Por Pedro Labra

Suman más de 30 las cintas que hasta ahora han retratado al virtuoso pianista y compositor Frédéric Chopin (1810-1849), genio precoz y uno de los iconos indiscutidos del romanticismo musical. La novedad es que esta versión hecha en 2002, procede de Polonia –aunque no es la primera de esa nacionalidad– y lo curioso es que siendo uno de los polacos más famosos en el mundo entero, no necesariamente le rinde pleitesía. Se concentra en los últimos años de su vida y en la relación de casi una década que mantuvo con la escritora feminista George Sand, mayor que él, y quien lo cuidó abnegadamente en la etapa en que se le declaró la tuberculosis. A pesar de su estrecho presupuesto, resuelve con dignidad las exigencias de un relato de época. Pero personifica a Chopin como un egoísta inseguro y quejumbroso, un tipo que por cierto no produce ninguna simpatía o adhesión. Así es que la mayor parte del interés se lo lleva Sand, de fuerte y arrollador temperamento, y los conflictos con sus hijos a causa de su célebre amante enfermo. En verdad la narración no agrega nada nuevo a lo que ya sabemos del personaje y, como salta de una cosa a otra, pasa por encima de buen número de situaciones sin profundizarlas dramáticamente. Aun pensando en el público que pueda tener esta biografía musical, es un filme bastante plano y con un inconfundible olor a naftalina.

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Dirigida, coproducida y coescrita por Jerzy Antczak. Con Piotr Adamczyk, Danuta Stenka, Michal Konarski.

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“La carretera”

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Por Pedro Labra

Otra de las historias pos apocalípticas que proliferan en el cine actual. Esta se basa en una novela Premio Pulitzer de Cormac McCarthy, el mismo autor de “Sin lugar para los débiles”, escrita antes y que originó la cinta oscarizada. Muestra una humanidad al borde de la extinción, 10 años después de un cataclismo indeterminado que aniquiló la fauna y la vida vegetal. Se concentra en la aventura de supervivencia de un padre y su hijito de 11 años que caminan, exhaustos y hambrientos, buscando un lugar donde la vida sea aún posible. Su principal preocupación es encontrar qué comer, tarea cada vez más difícil, y su mayor temor, hallar otros hombres, porque el canibalismo se ha vuelto una práctica común. En medio de tanta desesperación, el suicidio es una salida. Filme tremendo, deprimente, hasta agobiador, impresiona sobre todo por el esfuerzo riguroso y sin concesiones –usando mayormente fotografía a la manera del blanco y negro, escasos diálogos– de este director australiano por reflejar la amenaza terrible de la devastación que pondrá al hombre a un breve paso del salvajismo. Hay resonancias bíblicas en esta sombría y tenaz odisea en busca de una mínima señal de esperanza, y en la misión de ese padre que quiere inculcar en su hijo el valor de no claudicar y permanecer decente; mostrarle el fuego interior que se requiere para salvar la dignidad de ser humano y seguir siendo “bueno”.

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Dirigida por John Hillcoat. Con Viggo Mortensen, Charlize Theron, Robert Duvall, Guy Pearce.

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“Los mejores de Brooklyn”

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Por Pedro Labra

Este nuevo título de Fuqua –uno de los contados directores afroamericanos bien posicionados en Hollywood– impresiona como un filme policial, recio y muy macho, cuyo intenso ritmo se apoya en el desempeño de una notable plana de actores. Bajo su aspecto tiene desventajas: no cuenta una historia, sino tres que se desarrollan en paralelo, cada una de las cuales daría para una película distinta. Con vistas a probar una misma cosa: cuán abrumador y enajenante es el oficio policial en los barrios más bravos de Nueva York, donde se vive en estado de guerra. Hay un deprimido policía veterano a días de jubilar que sufre de compulsión suicida; otro dispuesto a apropiarse del botín de varios narcotraficantes porque necesita comprar una casa más amplia para su familia y un detective negro encubierto presionado para traicionar al gángster que le salvó la vida. El relato, que se alarga a agotadores 130 minutos, se define entonces por el exceso, también por el desborde de brutal violencia que provee varios baños de sangre. Lo que aleja el resultado del registro propiamente policial –que Fuqua abordó muy bien en “Día de entrenamiento” (de 2001, con Hawke otra vez en el reparto)– y lo sumerge en los terrenos del thriller. Con ese fin explota la criminalidad para provocar emociones fuertes, y no se preocupa para nada del realismo de las situaciones, sino de su contundencia y efectismo. El tríptico avanza un poco confusamente, tocando a veces el tono de un cuento moral o de un melodrama masculino, siempre buscando la vibración sostenida de un clímax infinito. La música lo dota de una atmósfera de continua amenaza y total desaliento.

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Dirigida por Antoine Fuqua. Con Richard Gere, Ethan Hawke, Don Cheadle, Ellen Barkin.

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“Querido John”

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Por Pedro Labra

No es la primera ni será la última novela que veremos en la pantalla (hace un par de años se dio “Noches de tormenta”) de Nicholas Sparks, fecundo hacedor de lacrimógenos best-sellers sobre romances desencontrados o imposibles. Esta, de 2006, trata de un soldado de fuerzas especiales que durante un permiso visita a su padre, un cartero con secuelas autistas, conoce a la mujer de sus sueños, una niña rica. La atracción es mutua y ella decide esperar hasta que él termine su servicio. Pero a causa del 11 de septiembre, el grandote es enviado al frente en Afganistán. Como el amor tiene que seguir esperando, pues él pospone a su amada por cumplir con su deber, se comunican por cartas manuscritas como antes de la era computacional. Destinada a las espectadoras dispuestas a sacar el pañuelo para ahogar los sollozos, tiene la ventaja de que la dirigió el sueco Hallström (“El año del arco iris”, “Las reglas de la vida”), quien embellece las imágenes y logra dar dignidad dramática al exceso atosigante de merengue y almíbar. Pero –sorpresa– el filme cuenta con un interesante subtexto: además de tocar la negativa repercusión del conflicto del Medio Oriente en los civiles, el relato bucea en la insatisfactoria complementación de los sexos. Todos los personajes masculinos (y Savannah es la única mujer a la vista) son seres dañados y reconcentrados en sí mismos. Lo femenino, dice la cinta, acoge, suaviza, dulcifica a través de la expresión emocional, y la mayoría de los hombres se resiste a abrirse a ese factor que los completaría.

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Dirigida por Lasse Hallström. Con Amanda Seyfried, Channing Tatum, Richard Jenkins.

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“Regreso a la mansión Brideshead”

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Por Pedro Labra

Obviamente éste es cine literario, la ilustración fílmica de la reverenciada novela publicada en 1945 –a la cual se la considera un título imprescindible de la narrativa en inglés del siglo XX– destinada a quienes deseen revisitar el universo creado por Evelyn Waugh. Es, también, cine académico, bien hecho, cuyo relato fluye apoyándose en los méritos de una cuidada producción y en unas actuaciones de oficio irreprochable como se puede esperar de un elenco británico. Con dos factores que reducen las expectativas. Primero, que el director y sus guionistas tienen largos currículos en TV, pero no en cine. El otro, más relevante aunque paradójico, es la comparación inevitable con la excepcional adaptación del libro que hizo en 1981 la BBC, una serie televisiva en 11 episodios con un reparto memorable (Jeremy Irons, Claire Bloom y Laurence Olivier, sus figuras más destacadas).
Trata de un muchacho de clase media que en el período de entreguerras ingresa a estudiar historia en la exclusiva Universidad de Oxford, no obstante en realidad aspira a dedicarse a la pintura y, más aún, pretende ascender socialmente. Allí conoce al afeminado y caprichoso hijo menor de una aristocrática familia de religión católica romana (una minoría en una nación predominantemente anglicana), y no sólo se hace amigo de su alcoholizado y disoluto condiscípulo, sino que ambos establecen una suerte de vínculo homoerótico. Pronto se hace visitante asiduo de la mansión de campo de la familia, Brideshead, y se relaciona con los hermanos del joven lord y con su madre, que intenta mantener unida a su estirpe bajo estrictos principios morales. Más adelante su posición se complica, cuando inicia avances amorosos con la hermana casadera.
El relato se despliega con una puesta en escena muy prolija, a ratos suntuosa visualmente. Pero como debe condensar las casi 400 páginas en poco más de dos horas de proyección, tiene que simplificar dejando fuera justo aquello en que se detenía morosamente la versión para TV: los abundantes y contradictorios detalles que matizan y enriquecen las acciones volviéndolas ambivalentes y complejas. Rompe, además, la fidelidad a su fuente con algunas licencias, entre las cuales la mayor es explicitar la atracción sexual entre los amigos. Si la historia se vuelve plana y pierde interés, es también a causa de la pasiva y enigmática encarnación de su personaje eje; aunque él mismo narra su pasado, nunca sugiere su faceta de arribista calculadamente seductor, como tampoco –lo que es central en el libro– sus angustias religiosas y sentido de la culpa.

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Dirigida por Julian Jarrold.Con Matthew Goode, Ben Whishaw, Emma Thompson.

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“Toy Story 3”

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Por Pedro Labra

Seguro que esta esperada secuela no decepcionará a sus millones de nostálgicos fans que llevan grabados en su corazón desde la infancia, a los muñecos que cobran vida cuando no están sus dueños (recordemos que el número 1 debutó en 1995). Tal como los anteriores, el nuevo episodio vuelve a romper el límite tecnológico –es el primero en 3D, pero además incorpora asombrosos avances en graduación de la luz, texturas, definición de imagen y movimiento– y otra vez ofrece una historia rebosante de inventiva, giros y detalles estimulantes.
Varios datos, claro, marcan ciertas diferencias, algunas importantes, con sus antecesoras. Desde luego es la primera que no dirige John Lasseter, el genial mago de Pixar que con sus aportes previos revolucionó las películas animadas (aquí sólo colaboró en el guión). Se estrena a 11 años de la segunda parte (no hay otra secuela hollywoodense de interrupción tan larga) y –más determinante aún– es la primera que se lleva a cabo con Pixar bajo la tutela de Walt Disney. Lo que define que haya sido pensada como un planificado rompetaquillas hecho con tecnología de punta y destinado más bien a la familia completa, que es el público de Disney. Así se explica la 3D, el que sea la cinta más larga de las tres (dura 103 minutos, 10 más que “Toy Story” 2, y 20 más que la 1), y el largo catálogo de “merchandising” asociado.
En ésta, el pequeño Andy de antes hoy tiene 18, se va lejos a estudiar en la universidad y duda entre guardar sus viejos juguetes en el altillo o donarlos a una guardería infantil del barrio. Por error van a dar a la basura; lo que orienta la historia hacia temas harto más oscuros, como el abandono, la traición de los mayores, la incertidumbre acerca del futuro, incluso la aniquilación (que es la muerte). Claramente no es un filme para niños pequeños. Las extensas escenas de acción y escape que vive la pandilla están, por supuesto, para que la Tercera Dimensión se luzca. Al igual que DreamWorks en “Shrek”, la franquicia que es su competencia más seria, el relato incluye cada tres o cuatro minutos un chiste verbal o visual (gag), y agrega alusiones paródicas a distintos géneros cinematográficos (western, de gángsters, de fuga carcelaria, de horror). Eso le suele dar un tufillo a efecto buscado y premeditado, a producto comercial de consumo masivo. Resulta muy entretenida, no cabe duda. Otra cosa es que perdió su inocencia original; su placentero y gratuito desborde de pura creatividad; el encanto irresistible e incontaminado que cautivó a los pequeños e hizo que los adultos nos entregáramos como niños a su disfrute.

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Dirigida por Kevin Tancharoen. Con Asher Book, Kristy Flores, Paul Iacono.

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Sanfic 6

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Comenzó Sanfic 6, la Sexta versión del Santiago Festival Internacional de Cine en la que se exhibirán más de 100 películas nacionales e internacionales.
El festival consta de distintas categorías como la Competencia Internacional, Competencia de Cine Chileno y la Competencia de Talento Nacional (cortometrajes de realizadores locales).
Además se realiza el Work In Progress que apoya a películas en espera de postproducción. Otra de las actividades son AutoSanfic y Sanfic en tu comuna. Para más información sobre los estrenos, sinopsis y programación visiten www.sanfic.cl.

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“Fama”

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Por Pedro Labra

La verdad sea dicha, este “remake” de la película musical dirigida por Alan Parker hace 30 años era totalmente innecesario, dado que su éxito originó dos series de TV, y que en el último quinquenio Disney lanzó las tres partes de “High School Musical” (sin contar con las variantes televisivas de la idea en competencias y “reality shows”). Pero tal parece que nunca faltarán los espectadores jóvenes dispuestos a ver a otros jóvenes sudando y sufriendo por perseguir su sueño y triunfar como estrellas del canto, el baile o la ejecución instrumental. En rigor la cinta, que sigue a un grupo de talentos en potencia durante sus cuatro años de formación artística en una escuela neoyorquina, da una impresión mecánica; su guión está plagado de gastados clichés, y los intérpretes no brillan por su carisma actoral. Es la primera incursión cinematográfica del multifacético Tancharoen –24 años, director de TV y video-clips, bailarín y coreógrafo– y se nota. Al resultado le falta alma y factor humano. Pero, por lo mismo, algunos de sus números de canto y baile hacen que valga la pena tragarse el resto. Solo para jóvenes soñadores, aunque a ratos.

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Dirigida por Kevin Tancharoen. Con Asher Book, Kristy Flores, Paul Iacono.

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“Depredadores”

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Por Pedro Labra

Qué duda cabe de que Hollywood, en su aguda crisis creativa, aterrizó en los años 80 como fuente de reciclaje. Producido por Robert Rodríguez, dedicado a la factura de juguetes cinematográficos para mentes adolescentes, es un remake más a partir de otro rompetaquillas de esa década, el thriller fantástico y de terror de 1987, sobre una cacería infernal en la cual Arnold Schwarzenegger era la presa (tuvo un par de abominables secuelas sin Arnold). Ni siquiera se molesta en modificar al mortífero alienígena, simplemente lo multiplica por tres en la jungla de un planeta al cual caen unos humanos por razones desconocidas. El argumento se puede resumir como tres gatos jugando con 7 ratones que deben sobrevivir a cómo dé lugar; mientras caen uno a uno, ellos se revelan como los verdaderos depredadores (en lo que quiere ser la idea más ingeniosa y profunda del guión). Descartando los efectos visuales con técnica actual, resulta una vieja y nada de terrorífica cinta serie B que incluye miembros cercenados y algunos diálogos escalofriantes de puro estúpidos. Otra pregunta: ¿qué hace que un actor de carrera respetable como Brody (oscarizado por “El pianista”) se decida a convertirse en musculoso héroe de acción? Probablemente que sin otros guiones en carpeta, tenía que pagar las cuentas del mes.

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Dirigida por Nimrod Antal. Con Adrien Brody, Topher Grace, Laurence Fishburne.

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“Robin Hood”

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Por Pedro Labra

Tras Errol Flynn, Sean Connery y Kevin Costner entre varias decenas de actores que han caracterizado al héroe arquetípico del folklore medieval inglés, era cuestión de tiempo que lo asumiera Crowe. Su cuarto filme dirigido por Scott, una dupla cuyo mayor éxito fue “Gladiador” hace una década, es también su primera incursión como productor. La novedad es que no reitera la leyenda del popular bandolero rebelde al poder establecido que quitaba a los ricos para dar a los pobres, sino que ofrece una precuela, la historia de lo que vivió en sus años mozos antes de ponerse fuera de la ley y entrar en el mito (aunque a los 45, el arrogante “duro” de origen neozelandés tiene algunos meses más que Connery en el rol). Una completa ficción, ya que no existen registros documentales sobre el personaje, lo seguimos primero como arquero del rey Ricardo Corazón de León y luego en diversas escaramuzas como guerrillero libertario cuando Juan hereda la corona y sale peor que su hermano. Mientras, conoce y se enamora de la indómita Lady Marion. Como siempre en Scott, la ambientación de época y el nivel actoral son de gran solvencia. El relato corre con fluidez y suma varias impresionantes secuencias de acción y combate cuerpo a cuerpo. Pero aquí no está el toque del director de “Gladiador”, y el héroe de Crowe –que no es un perseguido– no consigue despertar mayor adhesión ni simpatía. Si a la cinta le va bien en la taquilla, seguro que nos deparará una segunda parte.

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Dirigida por Ridley Scott. Con Russell Crowe, Cate Blanchett, William Hurt, Max von Sidow.

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“Karate Kid”

karatePor Pedro Labra


Remake actualizado de la cinta juvenil de 1984, tan popular que tuvo dos secuelas con su mismo equipo en 1986 y 89, en ésta el joven héroe ya no es un muchachito ítalonorteamericano que se muda a California, sino un chico negro de 12 de Detroit, que debe viajar a China junto a su madre trasladada por la empresa en que trabaja. Lo que sigue es más o menos similar: víctima de “bullying” por sus compañeros de escuela en Beijing, el protagonista descubre el karate, arte marcial que le enseña un maestro oriental con quien establece una estrecha relación. Es una historia de aprendizaje, crecimiento y triunfo sobre las propias flaquezas. Como el maestro ahora es Chan, sus enseñanzas tienen un tono mucho menos místico y espiritual. Determinante es que protagonice el precoz Jaden Smith en su tercer rol cinematográfico (su padre –el actor Jim Smith– y madre son productores de la cinta): la viga maestra de la cinta descansa en su irresistible carisma. En tanto pierde bastante de su encanto original, el relato se vuelve más ligero, y aunque se extiende por 140 minutos, el proceso de entrenamiento parece menos convincente. Otro dato marca la diferencia: se trata de una coproducción chino-norteamericana de gran presupuesto, lo que implica muchas locaciones exóticas de atractivo turístico. Es claramente inferior al original, pero nostalgia aparte, a quién le importa si otra vez resulta eficazmente entretenida para los hijos de quienes disfrutaron la primera.

Dirigida por Harald Zwart. Con Jaden Smith, Jackie Chan, Taraji P. Henson.

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