Por Pedro Labra

Hace apenas tres meses se dio aquí “Francesca”, aceptable drama de época filmado en 2001 por Sophia Loren, que dirigió Wertmüller, legendaria cineasta italiana de los años 70. Ahora llega esta comedia que hizo en 2004, a los 71 años, bajo la conducción otra vez de Wertmüller, a la sazón de 78. La historia es una italianada que suma distintos enredos matrimoniales y amorosos, cuando una familia se reúne para el cumpleaños de la nona en la paradisíaca villa al borde de un acantilado frente al mar, que compartieron los padres hasta hace poco, hoy separados por diversas desavenencias. Cada uno de los tres hijos trae sus propios conflictos. En realidad la cinta, rebosante de lugares comunes, resulta penosamente insuficiente en su primera mitad; sólo bastante avanzado el relato adquiere algo de interés. Debe verse más bien como un homenaje a la tercera edad que permanece activa, y sobre todo para admirar a Loren como ejemplo de rejuvenecimiento quirúrgico bien hecho. Claro que, aunque sin duda conserva cuotas increíbles de la fogosidad y temperamento que lució varias décadas atrás, le haría bien aceptar que llegó para ella el momento de acogerse a un digno retiro (lo mismo para Wertmüller).

Dirigida y coescrita por Lina Wertmüller. Con Sophia Loren, F. Murray Abraham, Silvia Abascal.

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Por Pedro Labra

Este nuevo director joven despliega indudable talento al darle otra vuelta de tuerca a las películas de estafadores. Su relato, ingenioso y agudo como exige ese género, en vez de apostar por la acción o los golpes de efecto, se juega por la seducción visual y un fantasioso estilo narrativo. Trata de dos hermanos huérfanos que luego de una infancia penosa rechazados por las familias que los acogieron, se convierten en artistas del engaño. El mayor de ellos, astuto y malévolo, es quien elabora los timos como si fueran una novela o una película (los planifica dibujando “storyboards”). Tras 25 años de impunes embustes, el menor busca retirarse porque quiere una vida real, sin tener que fingir ser otro. Accede a participar en un último gran golpe como dupla y termina enamorándose de la víctima, una excéntrica heredera de una fortuna. Empapada en un aire de dulce tristeza, la atractiva puesta en escena se mueve por distintas latitudes (Nueva Jersey, Praga, México, San Petersburgo) y la atmósfera le debe mucho a la sugestiva música incidental. Pero el sólido elenco y las bonitas locaciones no logran borrar la sensación de que lo que vemos es más un vistoso acto de magia, que un filme hecho y derecho; un artificio capaz de distraernos gratamente mientras dura, pero que al salir de la sala olvidaremos sin que deje huella alguna. Maximilian Schell tiene un breve rol que mejor no hubiera aceptado.

Dirigida y escrita por Rian Johnson. Con Adrien Brody, Rachel Weisz, Mark Ruffalo.

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Por Pedro Labra

Aunque lo respalda el sello Tristar y su guionista es Joe Stillman (el mismo de “Shrek”), su sonido original cuenta con las voces de actores como Gary Oldman y la versión en castellano carece de seseos, esta película de animación es la primera en su género que se hace en España, un proyecto cinematográfico “para toda la familia” de una exitosa empresa madrileña fabricante de videojuegos, que apostó al desafío a un costo estimado de 60 millones de dólares. La historia da una vuelta de tuerca al tema de la invasión alienígena: en un planeta cuyos habitantes verdes viven igual que en Estados Unidos en los años 50, aparece un astronauta humano que cayó allí por error (y que inexplicablemente habla el mismo idioma local). El chico que lo encuentra, lo esconde y protege en su dormitorio, tal como a E.T. Hay que decir que los méritos técnicos de la película son impecables. Lo malo está en la poco imaginativa historia, que se aboca a reciclar ideas que ya hemos visto en innumerables cintas clásicas de ciencia ficción. Grave resulta que los resortes humorísticos –incluyendo citas paródicas desde “Cantando bajo la lluvia” a “2001, Odisea del espacio” y “La guerra de las galaxias”– casi invariablemente den fuera del blanco. De modo que, aunque se sigue con agrado, la diversión para los adultos es bien limitada y su público se reduce a los niños menores de 10 años que puedan distraerse con los monitos en movimiento.

Largometraje de animación digital dirigido por Jorge Blanco.

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Por Pedro Labra

Tras su admirable debut (“Play”, 2005) que reveló una directora de estilo propio, asombrosamente fresco y original, el esperado Opus 2 de Scherson (35 años) marca un giro evidente: cambia el mundo urbano por la naturaleza agreste. Sus personajes principales son igualmente citadinos, pero trasplantados a un paisaje inmenso y majestuoso que los abruma con su perfecta autonomía. Son seres ajenos a ese entorno y no saben cómo relacionarse con él, pues sólo están de paso (lo cual lo enuncia el mismo título). La historia trata de una bioquímica y su esposo que van en auto de vacaciones al sur; cuando ella al pasar le comenta que abortó el retoño que esperaba, éste, choqueado, la deja abandonada en el camino. La mujer intenta volver a Santiago, luego conoce a un mochilero noruego y, confundida, sin pensarlo mucho, acepta la invitación que el muchacho le hace de ir a acampar con él a un Parque Nacional. Lo que sigue es la aventura mental de unos personajes insatisfechos y vacilantes, obligados por las circunstancias a enfrentarse consigo mismos. Narrado con notorio aplomo y control de sus actores y recursos técnicos, tiene ese aire enrarecido y de fría curiosidad que mostró “Play”, con Scherson como un entomólogo estudiando insectos o un niño que juega con hormigas. No obstante, contiene escasos rasgos absurdos o surreales, y se agregan algunos atisbos de un singular sentido del humor. Por lo demás, los encuentros y peripecias que el guión hace desfilar son demasiado sutiles y abiertos de sentido. Todo sucede tan al interior de sus criaturas, que el relato se vuelve intrigante y se alarga en exceso, dando la impresión de que –al igual que sus personajes– carece de brújula.

Dirigida y escrita por Alicia Scherson. Con Aline Küppenheim, Diego Noguera, Pablo Ausensi, Marcelo Alonso.

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Por Pedro Labra

Muchas cintas anuncian que su trama fue tomada de la vida real, como anticipando su genuino interés. Esta comedia femenina hecha por una especialista del género, en la nueva temática de moda, la gastronomía, se basa en dos historias auténticas. Recrea la aventura de Julia Child, la un poco extravagante esposa de un funcionario diplomático menor destinado en París, que a fines de 1940 osó internarse en los secretos del arte culinario francés, escribió un voluminoso recetario que cambió para siempre el menú de los hogares estadounidenses y se convirtió luego en la primera ídola de la TV norteamericana con sus clases de cocina (lo que le valió un lugar de honor en el Museo Smithsoniano). Por otra parte, relata cómo en 2002 una joven escritora frustrada, casada y sin hijos, para superar su ingrata labor de oficina decidió elaborar y probar durante todo un año las 500 y tantas recetas de Child, titánica tarea que fue registrando en un blog que la hizo famosa. La película entreteje las dos peripecias en que ambas descubren “la alegría de cocinar”. En el camino, Julie llega a sentirse estrechamente ligada a su maestra, pero ellas nunca se topan, y las actrices, que este mismo año estuvieron juntas en “La duda”, jamás comparten escena. El problema del filme es que dan ganas de que todo el tiempo se hubiera dedicado a Child. Su personaje e historia son mucho más atractivos que la contraparte actual, a lo que se suma su bonita ambientación de época. Lo mejor es que Streep ilumina la pantalla cada vez que aparece como la empecinada, algo ridícula, pero finalmente deliciosa Julia. Sumando y restando, se sigue con agrado irregular.

Dirigida y escrita por Nora Ephron. Con Meryl Streep, Amy Adams, Stanley Tucci, Chris Messina.

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Por Pedro Labra

Icono máximo del chic parisino, la innovadora e influyente diseñadora que creó la marca Chanel y fundó un imperio de la moda y el perfume, no es una recién llegada al mundo del espectáculo. Cuando aún vivía, poco antes de su apacible muerte en 1971 (en la suite del Hotel Ritz que fue su hogar por 37 años), su leyenda inspiró un exitoso musical de Broadway con Katherine Hepburn encarnándola. Luego en la cinta francesa “Chanel solitaria” de 1981, la personificó Marie-France Pisier. Su mito y ajetreada existencia han sido redescubiertas en el último tiempo. Además de éste, el más ambicioso y de mayor presupuesto, hace poco se estrenó en Europa “Coco Chanel e Igor Stravinsky”, filme también francés centrado en el tormentoso idilio de la modista (Anna Mouglalis) y el célebre compositor, y la TV norteamericana exhibió el año pasado una miniserie biográfica con Shirley MacLaine como Coco a los 70.
Dirigida por la experimentada Fontaine, que coescribió el guión junto a su hermana Camille, la película –como lo anuncia su título– recrea los comienzos de la pequeña y miserable niña abandonada por su padre en un orfanato, y su dificultoso ascenso hasta establecerse en los salones de París como autoridad indiscutida en el vestir. El relato se detiene en sus principios como costurera, sus vanos intentos por convertirse en artista de music-hall, el largo período que vivió como amante y mantenida de un noble playboy, y su romance con un acaudalado aventurero inglés, amigo de éste, muerto trágicamente, pero no sin antes financiar su casa de modas.
El filme es, sobre todo, un gran espectáculo de época elaborado con lustrosa prolijidad para que cada imagen sea de irreprochable buen gusto y un deleite para la vista, al nivel de elegancia de su protagonista. Sus méritos técnicos y de producción son inobjetables. Pero más allá de su laborioso envoltorio formal, el desarrollo no alcanza realmente a explicar cómo esta chica retraída y sarcástica, tozuda y voluntariosa, excéntrica y francamente conflictiva, pudo llegar a instalarse en el alto sitial que ocupó. Fontaine sigue su aventura con simpatía y curiosidad, pero sin compromiso emocional. Aunque la historia captura nuestra atención, como todos sus episodios tienen igual valor, resulta plana y fría. Peor aún, sugiere que el intenso arribismo de su protagonista, su resentimiento y malhumorada rebeldía, deben ser terrenos con mucho más para escarbar que lo que aquí se muestra. Agreguemos que Tautou (“Amélie”) con su eterna cara de pregunta, carece de una expresividad capaz de insinuar complejidades mayores.

Dirigida y coescrita por Anne Fontaine. Con Audrey Tautou, Alessandro Nivola, Benoit Poelvoorde.

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Por Pedro Labra

A cuatro años de su admirable “Vera Drake”, el inglés Mike Leigh da a luz este nuevo filme merecedor de numerosos galardones, sobre todo para su actriz principal, sin duda una de las pocas cintas suyas centradas en su personaje protagónico, la que más francamente se puede definir como comedia y la única con un aire deliberado de querer gustar. Ya se sabe que este cineasta independiente a ultranza de 66 años, ha logrado con su singular método –en que se encierra primero con sus actores a descubrir los personajes a través de improvisaciones, proceso del cual surge luego la historia y el guión– registrar en las imágenes de su espaciada filmografía, jalones imprescindibles de humanidad cotidiana, siempre bajo un prisma liberal. Puede que no alcance la altura de “Vera Drake” o “Secretos y mentiras”, pero igual es una propuesta superior.
El relato sigue a una treintona y muy vivaz educadora de párvulos, que comparte hace años un departamento con su amiga y colega en la misma escuela, y que se caracteriza por su optimismo a toda prueba. Ella siempre tiene una sonrisa a flor de labios y un chiste para alegrarle la vida a quienes la rodean. Cuando le roban la bicicleta con la que se moviliza por Londres, lejos de deprimirse, toma clases de flamenco y decide que llegó la hora de comprarse un autito. Para lo cual tiene que aprender a manejar. Así conoce a un instructor de conducción que es su exacto opuesto: un tipo rígido, obsesivo, amargado, paranoico y enojado con el mundo. La crítica relación que ambos establecen a lo largo de las clases sabatinas, alimenta las mejores escenas de la película y conduce a su intenso clímax.

Dirigida y escrita por Mike Leigh. Con Sally Hawkins, Eddie Marsan, Samuel Roukin.

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Por Pedro Labra

Una proeza como esfuerzo de producción, hecha con escasos recursos (los actores no cobraron), es claramente el debut de una dupla de directores y un guionista sin experiencia previa ni oficio. A partir de una idea con potencial: supone que captado en un momento equis, el microuniverso que es un supermercado refleja de algún modo la sociedad en que se inserta, o sea el Chile de hoy. Así alterna breves escenas en las que se mueven unos 40 personajes (clientes, expendedores, supervisores, promotoras, etc.). La estructura da a la cinta una cambiante y ágil variedad y permite un desfile de “rostros” de la TV criolla. Pero las “situaciones” no son más que viñetas, “sketches” llenos de clichés que no progresan dramáticamente: la cámara deja a unos personajes, sigue a otros y cuando vuelve a los primeros, están casi en lo mismo. No hay un relato propiamente tal, sino una serie de atisbos superficiales y nimios, sin validez como eco del mundo circundante. Es como poner algo de atención en quienes se cruzan con nosotros en la calle; los signos en juego no llegaron a ser seleccionados y elaborados. Por lo mismo termina de repente, sin dejar huella. Un detalle no menor es que la pantalla contiene un cúmulo excesivo de “placements” (menciones de marcas), modalidad que no por ser excusable en este caso deja de parecer molesta, sobre todo si lo que se pretendía era objetar el consumismo.

Dirigida por Felipe del Río y Fernanda Aljaro. Con Benjamín Vicuña, Mariana Loyola, Julio Jung, Fernando Godoy.

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El Opus 14 del más renombrado director coreano (“El arco”, “Tiempo”, “Hierro 3”), una cinematografía muy aplaudida en la última década gracias en gran parte a sus filmes, es su película más modesta en pretensiones, y también la más desconcertante hasta hoy. Trata acerca de una escultora que en su inmaculado departamento –donde vive junto a un marido aburrido y adúltero, y su hijita–, ve en la TV que un joven condenado a muerte intentó suicidarse degollándose; va a visitarlo presentándose como su ex novia, y escenifica para él en la sala de visitas, pequeños shows en que canta con el propósito de trasmitirle algún amor por la vida (que pronto le será arrebatada). El prisionero, que es requerido sexualmente con majadera insistencia por un compañero de celda, nunca pronuncia una sola palabra debido a la herida en su cuello (también porque lo encarna un actor taiwanés que no habla coreano). El propio Kim personifica al director de la prisión, quien desde su oficina –y como un dios invisible y sin rostro– espía la conducta de la pareja a través de las cámaras de vigilancia. Escueta y sin emoción, está sin duda bien filmada y tiene algunos chispazos tiernos e irónicos, pero al fin y al cabo resulta un enigma harto excéntrico y rebuscado.

Dirigida, producida y escrita por Kim Ki-Duk. Con Chen Chang, Zia, Ji-a Park.

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Por Pedro Labra

Si este fogueado director de fotografía de 40 años se decidió a realizar una película propia, es por el compromiso que despertó en él esta aventura real y sus alcances. No es un gran filme, pero su historia sí lo es. Cuenta cómo de visita en Bucarest a principios de los ’90, un payaso callejero francoargelino se impactó con la realidad de los niños huérfanos o abandonados, drogados y alcoholizados, que dormían en las alcantarillas sobreviviendo de la limosna, pequeños hurtos o prostituyéndose, una de las herencias más penosas de la dictadura de Ceaucescu. Ideó la posibilidad de rescatar a esos chicos agresivos y resentidos, conquistándolos con la magia circense y el proyecto de crear un circo. El relato sigue el difícil proceso que llevó al debut de Pa-ra-da, “troupe” establecida que es al mismo tiempo una fundación cuya labor se extendió a Francia e Italia y ha recuperado a unos dos mil menores en situación de peligro social (algo similar a lo que aquí hace el Circo del Mundo con jóvenes adictos). Parte de los niños que aparecen son auténticos participantes de la experiencia. De lenguaje sobrio y funcional, la cinta expone lo suyo con honestidad y distanciada dureza, logrando momentos conmovedores. El esperanzador desenlace nos da un engañoso respiro de alivio frente a un problema pavoroso, que no es sólo de Rumania en el pasado, sino que ocurre hoy bajo nuestras propias narices.

Dirigida y coescrita por Marco Pontecorvo. Con Jalil Lespert, Evita Ciri, Gabi Rauta, Patrice Juiff.

En un tardío debut pasados los 45 años, Claudel –profesor de literatura, autor de varias exitosas novelas, también guionista– dirige aquí su primer filme mostrándose como un fino observador de la conducta humana, lleno de sensibilidad y con una gran compasión además por sus personajes. Este es un drama de tono contemplativo, que parece tener poca historia porque lo importante ocurre bajo la superficie de los acontecimientos, y que trata sobre el dolor que aísla a las personas en su propio mundo, y la búsqueda de una posibilidad de sanación y redención. Liberada tras 15 años de estar en prisión, una mujer es recibida por su hermana, con la cual ha mantenido una relación muy distante. Ella vaga por el hogar de ese matrimonio feliz con sus dos hijitas adoptivas, sabiéndose una extraña que despierta rechazo y temor en su propia familia, mientras intenta recomponer lo que queda de su pasado y de sí misma. El relato avanza con paso incierto, pero eludiendo siempre el peligro de caer en el melodrama. Más adelante sabremos que la protagonista ejerció como médico, y recién hacia el final se nos revelará su oscuro secreto, cuál fue el crimen terrible –pero necesario e ineludible para ella– que cometió. La inglesa Scott-Thomas, actuando en francés porque estudió interpretación en París, domina el filme con su ambiguo y dolido rol que es de modo alternado una penitente, una muerta en vida, una loca o un monstruo, y que a fin de cuentas resulta ser tan sólo una madre que sufrió mucho y en silencio.

Dirigida y escrita por Philippe Claudel. Con Kristin Scott-Thomas, Elsa Zylberstein, Serge Hazanavicius.

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Por Pedro Labra

Debut de un director sudafricano de 30, esta cinta de ciencia ficción producida por el neozelandés Peter Jackson (realizador de la notable saga de “El señor de los anillos”), tiene sus méritos. Desde luego, para ser un filme serie B luce una sorprendente batería de logrados efectos visuales. Sobre todo, desarrolla una idea original que da una vuelta de tuerca a las historias de extraterrestres: aquí lo temible no es lo que los invasores nos pueden hacer, sino al revés. Miles de debilitados alienígenas fueron rescatados de una averiada nave madre que quedó suspendida sobre Johannesburgo. Veinte años después esos seres, parecidos a enormes crustáceos que se comunican con gruñidos, suman casi dos millones que viven hacinados en un ghetto miserable e inmundo (lo cual recuerda sin duda los tiempos del apartheid). Cuando el gobierno comienza a erradicarlos fuera de la ciudad, el jefe de la operación es contaminado por una sustancia que le provoca una metamorfosis. Luego queda al descubierto un siniestro programa oficial de experimentación genética a que los refugiados son sometidos. Narrada a la manera de un falso reportaje periodístico, traza un estado militarizado, represivo y dominado por la codicia corporativa. A medida que avanza, el relato se vuelve descabellado, olvida sus temas (la xenofobia, la intolerancia, el abuso de los privilegiados sobre los desprotegidos), y se convierte en una historieta más de destrucción y violenta cacería. Pero con su poderosa imaginería y ritmo enervante, nunca deja de funcionar como una horrible pesadilla futurista.

Dirigida y coescrita por Neill Blomkamp. Con Sharlto Copley, David James, Vanessa Haywood.

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Es una fábula sentimental de sobra conocida, a la fecha con unas 70 adaptaciones para el cine y la TV de la novela breve publicada por Charles Dickens en 1843, a la cual el mundo anglosajón considera el cuento de Navidad por excelencia, el que mejor y más conmovedoramente expresa la visita del “espíritu navideño”. Nos cuenta otra vez cómo un vejete usurero, tacaño y malhumorado, tras la aparición de unos espíritus que le muestran su pasado, su presente y futuro posible, ve inundado su ánimo por la alegría, el amor y la buena voluntad hacia su prójimo. La novedad de este filme de los estudios Disney, es que Zemeckis emplea aquí el mismo procedimiento híbrido que antes usó para “El expreso polar” y “Beowulf”. La película fue dibujada y coloreada digitalmente sobre el registro del movimiento de unos actores con sensores distribuidos en su cuerpo, interpretando sus personajes delante de un telón neutro. Jim Carrey está detrás de Scrooge en las distintas etapas de su vida –el rol le viene como anillo al dedo– y también de los fantasmas, que son una extensión de su personalidad. Si bien metódico y sin real inspiración artística, alcanza vuelo en virtud de sus excepcionales logros en todos sus aspectos técnicos. Se deja ver con placer, excepto cuando el relato se engolosina con los efectismos visuales, lo que sucede con más frecuencia en la segunda mitad. Su atmósfera lóbrega y los rasgos góticos del cuento, no lo hacen recomendable, claro, para niños muy pequeños. Se debe preferir la versión en Tercera Dimensión, para la que fue hecha y es, por cierto, la de mayor impacto cinematográfico.

Largometraje de animación digital dirigido y escrito por Robert Zemeckis. Con Jim Carrey, Gary Oldman, Bob Hoskins.

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